Archivos de la categoría ‘Películas’

Good Bye Lenin!

Good Bye Lenin!

Es una de las mejores películas a nivel europeo del siglo XXI, que nos habla del gran cambio que surgió en 1989 para abrirnos las puertas a un nuevo mundo. Arrasó en los premios de la Academia de Cine Europeo con un total de 6 estatuillas, incluidas a la mejor película, director y actor; más los tres premios del público a la mejor película, actor y actriz. (más…)

La gata sobre el tejado de Zinc

Cartel de la película La gata sobre el tejado de Zinc (1958) de Richard Brooks

Desde los primeros minutos nos queda claro que nos encontramos ante una historia ligada a las disputas y desencuentros familiares, donde la mentira y la farsa son las primeras virtudes en cada uno de los miembros de la familia protagonista. Los padres, los dos hijos y las mujeres de éstos, viven recelosos unos de otros, con un muro interno lleno de egoísmo, impidiéndoles ver nada más allá de sus propios intereses y buscando su razón de ser en las desgracias de los otros.

La historia –basada en la obra homónima de Tennessee Williams– mantiene todo su carácter teatral con unos planos encerrados en pocos escenarios, protagonizados siempre por el don de la palabra dentro de unos diálogos rápidos y fluidos.

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El dúo protagonista, protagonizado por Elizabeth Taylor y Paul Newman, encarna uno de los tú a tú más recordados en la escena hollywoodiense, tenemos frente a frente a los dos pares de ojos más bellos e hipnotizadores de Hollywood, en dos papeles de gran carga dramática, dentro de un matrimonio sumiso al desamor y la desconfianza cargado por una desazón emocional inculpada en el pasado.

Él, vive destrozado, resolviendo todas sus frustraciones apegado a una botella, con un alcoholismo frenético a la desesperanza que le encierra a su entorno, produciendo una soledad con su pareja donde la aversión y el odio a todo lo que le rodea es su fin. Con la carga de responsabilidad por la pronta futura muerte de su padre empieza a avivar en su interior todo aquello que tenía olvidado.

Ella, bella y cruel a partes iguales, quiere seguir manteniendo la llama del amor viva para poder conseguir sus objetivos, la muerte del abuelo despierta sus ansias de conseguir la suculenta fortuna de la herencia, encerrando su verdadera personalidad, más afable y humanitaria, en pos de ser el caballo ganador en la disputada carrera.

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Los enfrentamientos dialecticos se van tornando con gran maestría dando énfasis a multitud de frases vitales donde se saca relucir la personalidad y los intereses de cada personaje. La trama central se desarrolla en la fiesta de cumpleaños del abuelo, dentro de una familia destrozada dónde solo existen las disputas y envidias, marcada por los engaños e hipocresía de cada uno de los personajes Una reunión dónde las discrepancias entre los dos hermanos y sus parejas, entre padres e hijos, entre abuelo y abuela, se convierten en una falsa y cruel lucha para ganarse la herencia del enfermo patriarca de la familia.

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La acción y la tensión van subiendo según se van transformando las mentiras en verdades. El déspota del abuelo se enfrenta a su alcoholizado hijo, el preferido de los dos, en unos momentos que se sacan todos esos oscuros pensamientos callados durante años, cargados con palabras altisonantes que apuntan al corazón y demuestran la preocupación escondida en la indiferencia de cada uno de ellos. Nunca habían estado tan lejos ni tan cerca, las desgracias los unen a un camino olvidado durante años de cobardía.

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La película o la obra de Williams es un compendio de las dudas que surgen en cualquier tipo de relación familiar. Los intereses siempre marcan a cada persona, olvidándose muchas veces de los beneficios mutuos, del cariño y el amor traducidos en la infancia, y cuando llega la madurez nos comportamos como unas máquinas de sumar rivalidades. Los ojos alegres de amor y compasión, al pasar los años se convierten en ojos incoloros y tristes, rodeados de arrugas salidas por las malas palabras pronunciadas en contra de nuestra familia.

La transformación llega con la desgracia, nos acercamos con el sonido de la muerte, nos unimos a caminar juntos ante el último aliento. Los años con palabras secas y vacías se unen en unas conversaciones duras y profundas, lo enmudecido durante años se dice en unos breves momentos. Resultando como producto final una pequeña llama de esperanza para poder vibrar con alegría todos los años perdidos en falsas realidades, dónde los egoísmos individuales se dejan de lado y queremos ser humanos y compasivos para comportarnos como verdaderamente somos.

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Se puede escuchar la versión radiada en el programa de radio de El Abrazo del Oso del 27-03-11:
Elisabeth Taylor y otras estrellas

Arrebato

Cartel de la película Arrebato (1980) de Iván Zulueta

Un rara avis en el cine español, nadando en contracorriente hasta convertirse en cine maldito y experimental. Fantasiosa, enfermiza y paranormal, con unos personajes aislados de la sociedad que viven en los bajos mundos de la pérfida realidad paralela de su mente.

Arrebato es una película única en España, heterodoxa a su tiempo y con una curiosa metáfora de la absorción del cine. Con unos personajes que navegan desde una presentación lynchiana a la más altos rasgos freudianos. Ellos son usufructos descorazonados de la marginalidad social, decaídos consumidores de topo tipo de drogas. Éstas son el eco que no cesa en toda la película, en unos años donde la heroína se extendía por todos los rincones de España, incluso llegando a los bolsillos más solventes.

Pedro, el personaje principal, conduce a su antagonista, el director de películas de terror José Sirgado, a un camino hacia la obsesión, la locura y la perdición. Pedro es un personaje bipolar, un alma cándida que se ha quedado en la niñez y sólo alcanza su madurez mental tras esnifar una raya de heroína. No come ni duerme, es un vampiro enclaustrado en su esquizofrenia mental.

Pedro guía a José a su peculiar mundo. Va absorbiendo la mente de éste hasta convertirle en su discípulo a su caída a los infiernos. La claustrofobia vivida por Pedro llega a mutar hasta José, a llegar a vivir ese peculiar mundo de ensueños en el que vive el protagonista.

Ambos van de la mano, sus destinos se han cruzado y son marcados de por vida. La mutua atracción les llevará a estar unidos hasta la más enfermiza eternidad. Sus yugos existenciales caen en el más profundo devenir de la locura. Hasta ese final devenido en la cruel amargura.

La huella

Cartel de la película La huella (1972) de Joseph L. Mankiewicz

Con estos peculiares acordes de la banda sonora compuesta por John Addison nos introducimos en un juego de egos, en una irónica moraleja de la vida cuya meta es alcanzar el máximo grado de crueldad e inducir al máximo nivel de perversión e indecencia del contrincante para acabar humillándole y dejándolo en el mayor de los ridículos personales.

En una opulenta mansión transcurre toda la acción, con solo dos personajes que nos mantienen en tensión durante los 137 minutos de la película. Mankiewicz nos invita a participar y disfrutar de un juego totalmente maquiavélico. Un rico escritor de novelas detectivescas invita al propietario de unos salones de belleza. El grado de conexión entre ambos, se nos revela a los pocos minutos del film, descubrimos que el peluquero es el amante de la esposa del escritor. En ese momento empieza el desenfreno verbal y la lucha de titanes entre dos de las más grandes estrellas de la escena inglesa como son Laurence Olivier y Michael Caine.

En un argumento basado en la obra homónima de Anthony Shaffer, con guión del mismo y Joseph L. Mankiewicz. La base de todo el metraje transcurre dentro de la mansión, rodeados de diversos juegos de muñecos y robots automatizados, juegos de mesa, cajas de música, disfraces y un magnífico jardín laberintico que nos encontramos al principio de la película. Las escenas se van revelando cual magnífica representación teatral, recordándonos al mejor Ernest Lubich, la trama es un juego en que el espectador no deja de participar en él, escena tras escena, la tensión va aumentando paralelamente con la intriga, es un thriller verbal donde tenemos que averiguar cada uno de los próximos movimientos de ambos protagonistas.

La amistosa cordialidad del principio se muta en una cruel competencia por averiguar cuál es la mente más lúcida e intelectual de ambos contrincantes. Un juego que empieza como una diversión mutua entre ambos protagonista se va trasladando a una cruel venganza y una intensa lucha de humillación.

Nos encontramos ante uno de los mejores guiones y doble actuación de la historia del cine. Una perla teatral dentro en el mundo del cine. Una obra al más alto nivel de la entropía humana hasta llegar a la más pérfida de las miserias. Un encuentro alegórico con unas verdaderas almas narcisistas.

El cazador, cazado. O la víctima se convierte en verdugo. Pero al final siempre acude la verdad: en un juego nunca puede haber ganadores o vencidos.

Se puede escuchar la versión radiada en el programa de radio de El Abrazo del Oso del 07-02-10:
Tycho Brahe

La bestia y la espada mágica

Cartel de la película La bestia y la espada mágica (1983) de Jacinto Molina

Así comienza una de las producciones más atrevidas en la historia del cine español. En una filmografía como la nuestra habituada a la escasez de riesgos, Paul Naschy, tuvo la “osadía” de enmarcarse en una aventura internacional. Dado su notable éxito en tierras japonesas, se atrevió a dar el gran salto y extender las garras de su hombre lobo hasta trasladarlas a la cultura del público nipón, que tanto apremiaba cada una sus nuevas obras del género fantástico.

Esta nueva entrega de la saga sobre Waldemar Daninsky se centra en la eterna maldición de este hombre lobo y en cómo encontrar la cura para librarse de las desventuras de sus antepasados.

Hace su aparición en los albores del siglo X, en un mundo dominado por los consejos de magos y brujos a cada una de las cortes europeas, dando comienzo a su maldición. Hasta llegar al medievo, metiéndose en el convulso Toledo de las tres culturas del siglo XVI, cruzándose la antigua brujería y magia negra con el encumbramiento de la Santa Inquisición. La misma que destruye las esperanzas de Waldemar para encontrar un remedio a su maldición y la que hace emigrar a Japón para buscar a un sabio que le dé la solución. Extendiendo el mal penetrante que concibe su persona a la tranquilidad de los campos japoneses.

Manteniendo muchos de los rasgos de sus anteriores películas, pero centrándose en el cruce entre las mitologías europeas y japonesas, consiguiendo un cruce intermedio entre ambas culturas, haciendo la una coparticipe de la otra. Es capaz de enmarcarnos en una película de aventuras nunca vista en las producciones españolas, notándose la mano del equipo técnico japonés en cada una de las coreografías de las escenas de acción.

Las premisas principales están encuadradas en la lucha contra las fuerzas oscuras, la eterna lucha entre el bien y el mal, y la esperanza que siempre conlleva el poder del amor.

La aparición de diversas fuerzas oscuras, grupos de contendientes e intereses comunes para poder aprovecharse de las facultades de la fuerza del hombre lobo, van apareciendo en el suceder de los minutos.

Aunque los dominios principales penetran en la lucha que sufraga su interior, la que mantiene Waldemar sobre su propia maldición. Algo inconsciente a su persona sale al exterior en cada nuevo plenilunio, siendo algo incontrolable para nuestro protagonista y su única razón de ser, es encontrar una cura a este mal.

La película contiene un sumo grado de rigor histórico, con una escenografía nada desdeñable a otras producciones de la época. Los guiños a la cultura y música japonesa son continuos, incluso en cuanto a la caracterización del hombre lobo.

Posiblemente con un exceso metraje que la hace divagar sobre la misma idea en los minutos finales pero, eso sí, convirtiendo la película en un referente internacional del cine fantástico y de terror hasta la fecha.

Se puede escuchar la versión radiada en el programa de radio de El Abrazo del Oso del 24-10-10:
Tres homenajes: Naschy, Cebrián y Vargas Llosa